他們用巔峰修復世界：21世紀國際詩歌選讀

★上課日期：3/13、3/20、3/27、4/10、4/07、4/24　共六堂
　4/03清明連假暫停一週

★上課時間：週五晚間7至9點

★地點：與點堂　臺北市中正區徐州路18巷15號

★票券分為線上課及現場課，報名時請注意。兩者皆享有課程錄影檔案線上觀看一年

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21世紀國際詩壇巔峰六人選，用文學與世界同步

如果說二十世紀的詩歌是在兩次世界大戰的廢墟中見證「崩毀」，那麼也許，二十一世紀的詩人們的挑戰，就是在崩毀後的「巔峰」之上，尋找修復世界的可能。

延續曹馭博老師上一門課程，對愛爾蘭詩歌從「殖民創傷」到「當代島國憂鬱」的探索，這門課將視野推向更廣闊的國際版圖。進入二十一世紀，世界並未變得更加平靜：戰爭的硝煙在東歐重燃、後殖民的餘燼在南亞擺盪、酷兒身體在神聖與世俗間掙扎，而全球化下的離散認同，更讓語言成為詩人「唯一的國籍」。

本課程精選六位當代具代表性的國際詩人，他們不僅是各大國際文學獎項的得主或入圍者——狄蘭・托馬斯獎 (Dylan Thomas Prize)、艾略特獎 (T.S. Eliot Prize)、美國國家圖書獎 (National Book Award)、毛姆文學獎 (Somerset Maugham Award)、格里芬國際詩歌獎 (Griffin Poetry Prize)——，更是當前國際詩壇最敏銳的觸角。我們將透過他們的文本，閱讀當代詩歌如何處理以下核心課題：

第一堂：腐朽與神聖間盛開的肉身——Seán Hewitt（愛爾蘭）

作為愛爾蘭新一代的領軍人物，Hewitt 承接了天主教神秘主義與「拉斐爾前派」的遺緒（Pre-Raphaelite legacy / heritage），他的詩作在自然主義的腐朽中尋找神聖性，強調「走向自然」，連草地裡的一朵花都要畫得符合植物學特徵，透過宗教詞彙來隱喻同性欲望與失落，將十九世紀的美學技術重新在現代復興。

例如他的詩歌常常充滿了對真菌、苔蘚、林地的細緻觀察，並且將細緻的植物布局作為隱喻，連接酷兒狀況以及其掙扎，並在其中穿插天主教會的語言（如：聖餐、洗禮、祭台）。曹馭博老師個人將其視為「祭壇美學」（Sacramental Eroticism）。

第二堂：沉默共和國——Ilya Kaminsky（烏克蘭）

出身烏克蘭、失聰且流亡美國的 Kaminsky，以寓言式的敘事詩（The Parable & Narrative Verse）震驚國際。在《沉默共和國》（Deaf Republic）中，他探討當語言被剝奪、暴力震耳欲聾時，沈默如何成為一種抵抗；書中描述一個被軍隊佔領的小鎮，當一名失耳的小男孩被士兵殺害後，全鎮居民集體「變聾」作為抗議。

Kaminsky 的詩通常不是單篇抒情，而具有強烈的劇作感與電影感，他的詩中常有重複出現的角色（如木偶戲師、懷孕的妻子），將戰爭的殘酷濃縮在具體的、生活化的寓言中。他也繼承了東歐詩歌（如米沃什、赫伯特）的傳統：用極簡、帶有童話色彩的語言，去包裹最殘酷的政治現實。

第三堂：玉環的辯證——Sarah Howe（英/華）

身為英籍華裔詩人的代表，Howe 的作品帶有濃厚的「博學派」色彩，她透過新古典主義的嚴謹與圖像詩的實驗，解構西方對東方的想像。她的詩集以玉環的象徵——在漢文化中，玉環代表圓滿、連結；但在西方視野下，它常被視為一種「異國情調」的裝飾。而詩人嘗試尋根與解構，不寫那種感傷的、老掉牙的尋根故事，反而以博學的筆觸，去探討西方如何「想像」中國。

她引用波赫士（Borges）提到的那本虛構的「中國百科全書」，挑戰我們對分類、語言與認同的既定認知。在美學的挑戰上，她將「翻譯」這件事重新擺進了創作——她認為所有對文化的理解都是一種翻譯，而翻譯必然伴隨著「創造性的誤讀」。她在這些誤讀中，找到了詩歌生長的空間，只要我們持續透過文本對話，以平衡的詩行、對偶的格律、精心的意象，就能產生強烈的戲劇張力。

第四堂：勞動與受洗者的巴洛克——Andrew McMillan（英國）

McMillan 的詩歌將目光投向北英格蘭的工業城鎮，他書寫藍領階級的肉身，將健身房、更衣室等當代場景，注入巴洛克式的壯麗感。他的詩歌關注男性的脆弱、慾望與勞動身體的格律美學，是當代身體書寫的重要篇章。McMillan如同前面所提到的Hewitt，也大量借用了基督教的語言（如受洗、祈禱、聖徒、原罪），但他將同性之間的親密關係從信仰對立，變成一種肉身的實踐，例如將「洗澡」寫成「受洗」，將「性愛」寫成「祈禱」。這種修辭方式「修復」了酷兒經驗在傳統宗教語境下的邊緣地位。

在形式上，McMillan 不使用傳統的嚴謹韻腳，但他對節奏有著極高的自覺，在視覺排版上，他經常在詩行間留下大量的空格（Cesura），這些空格代表了呼吸——並且模擬了心跳、舉重時的喘息、甚至是暗處耳語的頻率。

第五堂：骨頭裡的音樂——Valzhyna Mort（白俄羅斯）

Mort 是當代「記憶詩學」的巔峰，她的家鄉白俄羅斯在二十世紀經歷了極其慘烈的暴力：二戰的殺戮、史達林的清洗、車諾比的陰影。她的作品《為死者與復生者彈奏的音樂》（Music for the Dead and Resurrected）擁有擬人化的暴力，在她的詩裡，手風琴會像人一樣尖叫，土地會像皮膚一樣裂開。這種強烈的意象讓痛苦變得「可見」且「可感」，也讓感官的錯置，聲音與視覺、記憶與物質混合（例如：骨頭裡的音樂、充滿眼淚的工廠）。這種風格讓她的詩作帶有一種驚人的、令人戰慄的美感，被評論界譽為「白俄羅斯的強心劑」。

Mort 同時使用白俄羅斯語與英語創作，她曾說「白俄羅斯語是一種正在消失的語言」。她用英語創作的目的，是為了將這份瀕危的記憶推向國際；但她的英文中卻帶著白俄羅斯語的靈魂與節奏。曹馭博老師認為，這是最令人感到震撼的閱讀感受——帶有攻擊性的節奏，像是鼓點也像是槍聲。

第六堂：大覺者與傷痕——Vidyan Ravinthiran（斯里蘭卡）

Vidyan Ravinthiran 的作品，代表了二十一世紀國際詩壇中，學者型詩人如何將南亞離散經驗、後殖民政治與佛教哲學熔鑄成一種嶄新的抒情美學——不追求宗教的彼岸，而是在詩中實踐「看見」。如果說前幾位詩人是在挖掘創傷與肉身，Ravinthiran 則是在覺知與傷痕之間，修復我們看待世界的方式。

例如他的詩集《Avidyā》（無明）獲得了 2024/2025 年的前進詩歌獎年度最佳詩集，這本書的核心即是佛教哲學。以「無明」（Avidyā）的辯證： 在佛教中，這是苦難的根源（無知、不覺）。他以此為題，書寫斯里蘭卡內戰的遺留傷痕、離散者的身份混亂。而他的著名十四行詩集《在此地的百萬瓣花朵》（The Million-Petalled Flower of Being Here）是寫給妻子的組詩．將私人生活中的愛，置於跨文化背景與政治陰影下，展現了日常愛欲如何修復宏大政治帶來的撕裂，以及斯里蘭卡泰米爾人的歷史之下，彼此如何相愛。

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